Depuis le 24 avril, L’écume des jours est enfin sur grand écran. Dans cette adaptation du chef-d’œuvre de Boris Vian, l’imaginatif Michel Gondry peine à toucher le spectateur, faute à la trop grande présence d’effets visuels dont il est friand, frôlant l’abus.
Lecture obligatoire lors des études pour certains, découverte sur le tard pour d’autres, il est certain que L’écume des jours, œuvre la plus connue de Boris Vian, est la voie royale pour plonger dans l’univers bien particulier de l’auteur.
Cette bulle de poésie courant sur 68 chapitres, Michel Gondry n’y est pas resté insensible. Le réalisateur évoque même avoir eu un déclic lors de sa première lecture et en être ressorti avec une imagination et une créativité renforcée. Si tout ça a pu l’aider à concevoir l’inclassable et sublime Eternal Sunshine of the Spotless Mind, je n’ai qu’une chose à dire : ” Merci Boris ! “.
La trame de l’histoire est fort simple et Boris Vian, avec un sens du résumé exemplaire, la décrivait comme ceci : “Colin aime Chloé, Chloé tombe malade, elle meurt. Colin ne pourra pas vivre longtemps.“
L’intrigue du roman se situe dans un univers réaliste, mais parsemé de touches fantastiques. Ici, les nénuphars sont des maladies, les murs rétrécissent quand la fin est proche et les expressions de la langue française comme “prendre dix ans en une semaine” sont plus vraies que nature. Un défi visuel et sonore qui n’a pas freiné l’imaginatif Gondry.
Trop de génie, tue le génie
L’écume des jours est donc une grande histoire d’amour débordante de jazz, de tendresse et de démesure. Mais malheureusement, la démesure, le réalisateur en abuse pendant une heure et demie. La cascade d’inventions, la myriade de trucages et le puits de créativité sans fond finissent par nous donner une sérieuse indigestion visuelle.
Pourtant pris une à une, ces techniques “gondryennes” frôlent le génie dans certaines scènes.
Le “pianocktail”, cet instrument farfelu que tout bon amateur de boissons rêverait d’avoir, n’aurait pu être mieux transposé à l’écran. De même pour les mets que dégustent Colin et ses amis, ils sont tous réalisés en matériaux textiles, confectionnés par la brillante Bénédicte Charpiat. Et que dire de ce Duke Ellington à la trompette lors des premières minutes du film ou de ces prototypes de véhicules créés par Peugeot tout spécialement pour le film?
Ce trop plein de bonheurs visuels éphémères débouche sur une absence cruelle d’émotions, elles y sont étouffées. De même pour le jeu des acteurs. Romain Duris (Colin), Audrey Tautou (Chloé), Omar Sy (Nicolas), Gad Elmaleh (Chick), les acteurs les plus bankables du moment nous ont habitué à mieux. Au final, le spectateur risque de n’éprouver que très peu d’intérêt pour les personnages.
“Ce qui m’intéresse ce n’est pas le bonheur des hommes, c’est le bonheur de chacun“, évoque Colin dans ces deux œuvres. Alors Michel, si tu me permets, je quitte la salle obscure pour revenir au bon vieux livre papier, c’est mon bonheur à moi. Sans rancune.
L’écume des jours, Michel Gondry, avec Romain Duris, Audrey Tautou, Omar Sy, Gad Elmaleh, Charlotte Le Bon, Aïssa Maïga. Distribution StudioCanal. En salles depuis le 24 avril.
L’ignorance pousse souvent à la bêtise, parfois à la tolérance. C’est la seconde issue, bien plus optimiste, que développe la Suisse Maria Nicollier, habituée des documentaires, dans sa première fiction. Comment trois Japonais se méprennent sur le christianisme et font de l’âne un animal sacré au pays du soleil levant.
La comédie de la réalisatrice genevoise nous transporte loin des alpages, mais sous les cerisiers, dans un pays où Maria Nicollier a longtemps vécu et tourné des documentaires, notamment sur le mariage à la sauce occidentale en 2004. C’est d’ailleurs de nouveau un mélange des cultures, traité avec un regard tendre, qu’elle propose aux spectateurs. Nous l’avons rencontrée à l’issue de la projection de Chasse à l’âne –Roba Gari en japonais – en compétition européenne au festival du Film court de Brest vendredi 16 novembre.
Sylvain Ernault – Votre comédie raconte l’histoire de trois Japonais qui cherchent à manger de l’âne sur leur île. D’où vient ce scénario loufoque ?
J’ai eu l’idée du scénario en Roumanie, parce que j’ai été voir un ami roumain et effectivement il voulait manger de l’âne, de la viande d’âne. Ils sont allés chercher un âne, qui s’appelait Igor, mais finalement ils n’ont jamais osé le tuer, même si c’étaient des chasseurs. Donc finalement le scénario vient d’une histoire véritable, mais je l’ai transposée au Japon, pour la simple raison que les Japonais n’ont rien de chrétien et j’avais envie qu’ils aient un regard sur nous. Je trouvais marrant d’utiliser l’âne, qui est dans la crèche de Jésus. Alors après comment est venue cette association d’idées ? C’est un peu difficile de vous dire pourquoi et comment , mais le fait est que j’ai vécu quand même pas mal d’années au Japon et que je parle japonais, donc c’est aussi une source d’inspiration et mon lieu de tournage de prédilection.
C’est la première fiction que vous avez tourné. Avant vous aviez réalisé des documentaires au Japon ?
J’ai tourné des documentaires, des reportages, des news… J’ai tourné beaucoup de choses au Japon, mais jamais de fiction, c’est ma première fiction et pour moi ça allait de soi que j’allais la tourner au Japon en fait. Je pense que c’est plus facile de tourner au Japon qu’en Suisse, parce que déjà les acteurs sont tellement friands de tourner à un niveau international et j’ai pu faire un casting extraordinaire, c’est à dire j’ai vu à peu près 200 acteurs pendant une semaine, un très bon cru. Alors qu’en Suisse ça aurait été beaucoup plus difficile d’avoir les meilleurs acteurs pour un court métrage.
…pour un court-métrage, qui reste un genre qui est peut-être un genre mineur en Suisse et au Japon. D’ailleurs comment on perçoit le film court au Japon ?
C’est aussi un genre mineur je pense, c’est aussi très difficile d’avoir l’argent pour un court. Mais je pense que si les acteurs se sont intéressés à mon film, c’est avant tout parce qu’il était international et que pour une fois ils pouvaient tourner avec des étrangers et que la réalisatrice parlait japonais, donc ça leur permettait de faire ça parce que la plupart des acteurs ne parlent pas anglais. Mais c’est aussi un genre mineur et très difficile à défendre au Japon.
“J’ai beau avoir vécu au Japon, je ne comprends pas toujours les Japonais”
Et d’ailleurs mon film je savais que soit il allait bien fonctionner en Europe et dans le reste du monde, soit au Japon. Bon, soit pas du tout, hein, ça aurait été une autre option (sourire). Et effectivement il fonctionne très bien en Europe et aux États-Unis, mais très très mal au Japon. Alors voilà, maintenant vous dire pourquoi, comment ? Comme quoi j’ai beau avoir vécu au Japon, je ne comprends pas toujours les Japonais.
Célia Caradec – Dans le film on voit un Français un peu tourné en dérision, est-ce que c’est quelque chose que vous avez pu ressentir là-bas, des a priori sur les Européens, sur les Français ?
Oui, alors c’est vraiment par rapport à mon vécu, c’est plus les étrangers qui veulent être plus japonais que japonais. Et en fait je me moque plus des étrangers qui vivent là-bas, et je trouve que les Japonais, mes protagonistes, ont bien raison de rire de lui. C’est ces étrangers qui se disent tout d’un coup maître de thé ou vivent vraiment à la japonaise, d’une façon que les Japonais ne connaissent plus. Le Japonais moderne ne vit plus vraiment sur des tatamis à genoux et à se courber à peu près toutes les vingt secondes, à part dans des milieux très très traditionnels, donc là je ris un peu de mon vécu effectivement et des étrangers qui vont jusqu’à se brider les yeux.
SE : Connaissiez-vous la région dans laquelle le film a été tourné avant d’y tourner Chasse à l’âne ?
Je ne connaissais pas du tout cette partie du Japon avant, qui est dans la préfecture de Nagano, là où ont été tournés des Jeux Olympiques (en 1998, NDLR), c’est à dire au nord de l’île principale (Honshū, NDLR), mais c’est le seul endroit où j’ai trouvé un âne, parce que tous les autres ânes étaient dans des zoos et pour les Japonais c’était hors de question de sortir leur âne du zoo et j’allais pas tourner le film dans un zoo, donc c’est le seul endroit où j’ai trouvé un âne et un propriétaire qui était prêt à me prêter, enfin plutôt à me louer son âne.
Et lui qu’est-ce qu’il faisait avec son âne ? Il lui faisait brouter l’herbe aussi ?
Oui oui, il adorait son âne et c’est vrai c’est une bonne question parce qu’il n’y a tellement pas d’âne au Japon que c’était vraiment quelqu’un de très original finalement. Pourquoi il avait un âne ? Je ne sais toujours pas, mais il l’aimait beaucoup et il en prenait bien soin et on avait besoin de lui pendant le tournage parce que l’âne sans lui ne voulait rien faire.
Shohei Sekimoto, Yuki Okamoto et Shoichiro Akaboshi, les trois acteurs principaux du film, préférés au Japon à 200 autres candidats. Crédits Rec Production
C’était un Japonais lui, pas un Français ni un Européen ?
Non, non, alors toute la régie et une grosse partie de l’équipe c’étaient des Japonais. Mais toute l’équipe technique je l’ai prise de Suisse, c’étaient des Suisses, notamment parce que j’ai eu des fonds de soutien de l’État suisse. C’est donc évident qu’il faut des salaires suisses. Donc j’ai pris une grosse équipe avec moi, on était sept à prendre l’avion, ce qui était quand même un coût considérable.
Parlons justement d’économie, par rapport à votre parcours d’ex-documentariste, est-ce que c’est plus difficile de financer un documentaire ou une fiction ?
Une fiction est quand même beaucoup plus chère, c’est ça qui est plus difficile. Même un court métrage de fiction m’a coûté beaucoup plus cher qu’un documentaire de 83 minutes. Donc c’est évident que c’est une contrainte énorme de trouver l’argent pour une fiction c’est beaucoup beaucoup plus difficile et je pense que c’est pour ça que j’ai mis aussi longtemps à faire le pas et à passer dans la fiction.
“Même un court métrage de fiction m’a coûté beaucoup plus cher qu’un documentaire de 83 minutes”
C’est beaucoup plus cher déjà, pour la simple raison qu’il faut des acteurs et qu’il faut les payer et puis ensuite il faut une équipe technique beaucoup plus conséquente. Un documentaire on peut presque se permettre suivant le genre de partir caméra à l’épaule, une fiction non.
Et en Suisse quelle sont les aides ?
Alors en Suisse, il y a une aide étatique culturelle, qui est assez importante, qui reste difficile à obtenir, comme chez vous en France. Ensuite il y a différentes aides je dirais régionales, comme chez vous aussi. Après il y a des aides automatiques, si vous obtenez les autres aides. Donc en fait c’est un peu “celui qui commence à avoir de l’argent a toujours plus d’argent, celui qui n’a pas d’argent au départ n’a pas d’argent du tout”, donc c’est un peu quitte ou double. Et pour ce film j’ai tout de suite eu l’aide étatique, ce qui fait que d’autres fonds ont découlé et j’ai réussi assez facilement à boucler mon budget, mais ça m’a pris un an quand même.
Entre le début de l’écriture et le tournage, c’est ça un an ?
Ah non là c’est deux ans.
Les trois amis chasseurs japonais face à l’objet de leurs fantasmes gustatifs, l’un des seuls ânes du Japon. Crédits Rec Production
CC – Quel est votre ressenti par rapport à ce festival du Film court, où vous venez pour la première fois ?
Ce que j’aime bien avec Brest par rapport aux autres festivals que j’ai fait aussi avec ce film-là, c’est que c’est très tourné vers le public et il y a vraiment des salles importantes pour un public important et visiblement ils font une très bonne publicité, parce qu’il y a du monde et c’est toujours très agréable de voir des salles pleines, donc pour ça c’est vraiment génial. Ensuite, on est très bien accueillis. Souvent j’ai été prise dans des festivals de court et de long. Donc le court, malgré tout, est un peu en seconde zone et être pris dans un festival où ce sont que des courts, c’est assez agréable parce qu’on est un peu plus mis en valeur je dirais.
J’imagine que vous êtes attentive aux réactions des spectateurs ? Comment vous l’avez vécu ?
L’angoisse c’était la première en public. Parce que finalement, il y a des moments comiques dans mon film, mais est-ce que les gens vont rire à ces moments-là, est-ce qu’ils ont compris mon humour ? Et c’est la grande angoisse des comédies. Et finalement les gens rient vraiment au moment voulu et ça c’est un immense plaisir et puis après il y a un effet de salle. Parfois les gens réagissent beaucoup moins, parfois beaucoup plus. Cette dernière projection je l’ai trouvée assez bonne, les gens réagissaient pas mal, n’étaient pas trop timides de rire. Et puis après il y a les surprises, où tout d’un coup les gens rient à des moments où vous ne pensiez pas que c’était drôle (rires) donc ça c’est toujours assez amusant.
“Les gens réagissaient pas mal, n’étaient pas trop timides de rire.”
SE – Vous avez d’autres projets de fiction et si oui est-ce que ce sera dans la comédie ?
Ce sera surement une comédie, parce que je crois que je ne serais pas capable de faire autre chose. Et j’espère un long métrage bien sûr, vu que j’ai quarante ans, faut que je me dépêche, pour les fonds, parce que plus on est vieux, plus c’est difficile de trouver des fonds ! (rires)
C’est dans la galerie d’expo du Quartz que je rencontre Nicolas Guiot. Quelques minutes seul à seul dans cette grande pièce pour partager une première bière d’après-compétition, un étage sous le tumulte de la soirée privée où le jeune réalisateur belge aurait pourtant toute sa place. Lors de la cérémonie de clôture du Film court de Brest, il vient d’aller chercher le prix du meilleur premier film pour Le Cri du Homard et le prix d’interprétation de son actrice Claire Thoumelou. Un nouveau succès mérité en festival pour son drame psychologique sur la guerre, présélectionné pour Cannes 2013.
On a senti que vous étiez très touché quand vous êtes monté à deux reprises sur scène, dont la première fois pour le prix d’interprétation décerné à la jeune Claire Thoumelou.
Effectivement, le prix d’interprétation m’a particulièrement touché. C’est la première fois d’abord qu’on a un prix d’interprétation. J’ai toujours considéré que le film reposait en grande partie sur les comédiens même si il y a beaucoup de travail par ailleurs, mais c’est un film de comédiens. Et surtout Claire, la petite qui avait sept ans sur le tournage. On me dit souvent qu’elle est formidable, mais j’ai l’impression qu’elle paye un peu le fait d’être un enfant et que les jurys ont du mal à primer un enfant. Ont du mal à considéré ça comme un travail. Alors qu’elle a travaillé et elle joue effectivement.
Claire Thoumelou, prix d’interprétation à Brest pour son rôle de Natalia, petite fille russe qui retrouve son frère à jamais traumatisé par la guerre. Crédits Offshore
Comment avez-vous trouvé Claire Thoumelou ? Avait-elle tourné avant et va-t-elle tourner de nouveau ?
Claire c’est une histoire très particulière puisque j’avais une autre petite comédienne prévue, qui nous a lâché pour diverses raisons une semaine avant le tournage. On n’avait pas de plan B. On a casté en urgence sept-huit petites filles, dont Claire, donc je l’ai découverte six jours avant le tournage et ça a été un petit miracle parce qu’elle est même mieux que celle qui était prévue au départ. Elle n’avait jamais fait de cinéma et je pense qu’elle n’a pas de projet en court pour le moment, mais je crois qu’elle a très bien compris comment ça se passait, comment on jouait, comment on se comportait devant une caméra.
L’histoire du film Le Cri du homard ce sont des retrouvailles familiales russes, qui se déroulent en France. Tout tourne autour du grand frère, qui rentre de la guerre en Tchétchénie et de la petite sœur. Comment vous est venue cette idée ?
L’écriture de scénario est venue d’un docu que j’ai vu sur Arte, qui parlait de ces jeunes soldats russes qui revenaient de Tchétchénie, qui étaient complètement détruits (Les Corbeaux blancs, NDLR). Après le fond m’intéresse, fondamentalement la thématique du silence, du trauma, de l’impossibilité de raconter ce qu’on a pu vivre dans des cas aussi extrêmes m’intéresse. Il se trouve que c’était russe parce que c’est parti de cette histoire-là. Et puis je voulais ancrer le film dans une réalité identifiable, en tout cas quelque chose très réaliste. Et la guerre de Tchétchénie était une des guerres contemporaines qui s’étaient passées pas très loin de chez nous. Mais au-delà de ça c’était vraiment la thématique de l’impossible reconversion, l’impossible réadaptation de ces gamins quand ils reviennent de là, après ce qu’ils ont subi et infligé puisque je pense qu’ils ont tous fait des choses abominables, comme quasiment n’importe quel être humain pourrait le faire dans certaines circonstances, si on leur permet de le faire.
“La thématique du silence, du trauma, de l’impossibilité de raconter ce qu’on a pu vivre dans des cas aussi extrêmes m’intéresse.”
La famille russe de nouveau rassemblée pour un repas sous tension. Crédits Offshore.
Vous en tant que réalisateur, d’où venez-vous ? Qu’est-ce que vous aviez fait avant ce premier film et quels sont vos projets ?
Moi au départ, ça fait longtemps que je voulais réaliser. Mais j’ai étudié la philosophie et puis je voulais rentrer dans une école de cinéma qui s’appelle l’Insas à Bruxelles, où je n’ai pas été pris, du coup de je me suis retrouvé à faire un master à l’université en écriture de scénario. Et après ça mon but c’était de rentrer absolument dans ce milieu, en tout cas d’intégrer ce milieu et j’ai fait beaucoup de petits boulots, beaucoup de régie, qui est un boulot très ingrat, mais un boulot très intéressant par ailleurs parce qu’on est très clairement dans la réalité du cinéma. On est loin des théories universitaires etcétéra, on est vraiment sur le terrain, on voit ce que c’est de faire un film. Et puis j’ai fondé ma boîte de production qui s’appelle Ultime Razzia Productions avec deux amis, pour nous produire nous-mêmes au départ et voilà. Ça a pris du temps, mais je suis arrivé à ce que je voulais faire au départ, c’est à dire réaliser, mais je continue à produire par ailleurs.
Le Cri du homard, c’est un film qui a muri pendant combien de mois où d’années avant d’être diffusé pour la première fois ?
C’est un projet qui a muri très longtemps, puisque j’ai écrit la toute première version il y a cinq ou six ans. Je l’avais laissé de côté parce que je me disais que c’était trop compliqué pour un premier film. Et puis j’y suis revenu parce que ça me taraudait et je l’ai compliqué d’ailleurs, parce qu’au départ il faisait quinze pages, puis c’est devenu un film de quinze-trente-cinq pages ; une page c’est une minute en général dans un scénario. Et puis je me suis dit, “allons-y, tant pis”. En sachant que c’était quand même risqué, le pari était assez risqué, j’ai eu la chance de tomber sur des co-producteurs, puisque je me produisais moi-même au départ, mais j’ai eu la chance de tomber sur des co-producteurs qui y ont cru aussi et on y est arrivés, mais c’est vrai que c’était assez casse-gueule et après coup j’ai eu quelques sueurs froides quand j’y repense parce que c’était un projet assez compliqué.
“J’ai écrit la toute première version il y a cinq ou six ans.”
Mais ça s’est extrêmement bien passé, ça a été beaucoup de préparation, quasiment un an de casting, de recherche de comédiens, des années pour des recherches de financement et beaucoup de post-production aussi. On a passé quasiment six mois en montage, pas à temps plein, mais par intermittence. Pendant six mois on a réécrit complètement le film au montage, ça a été un gros gros boulot oui.
Les festivals c’est un grand moyen de se faire connaître du public, la télévision aussi. Comment ça se déroule de ce côté-là ?
Alors à ce niveau-là ça se passait assez bien. Moi en étant producteur je m’étais fixé dès le départ la limite de trente minutes, parce que je savais qu’au-delà de trente minutes c’est juste inexploitable. On passe à un format de moyen métrage qui est quasiment inexploité et pour lequel il n’y a quasiment pas de festival. On est à trente minutes, tout juste. Après ça se passe plutôt bien jusqu’à présent, c’est à dire qu’on a déjà eu quelques prix et on a RTBF, qui est une chaîne belge, qui l’a acheté et TV5 Monde. Donc ça se passe plutôt bien étant donné la durée.
Et les projets, vous ne m’avez pas dit, sur quoi vous travaillez…
En tant que réalisateurs ? Je n’ai rien pour le moment. Là j’ai des projets en tant que producteur, mais je n’ai pas encore de projet concret en tant que réalisateur. Mais on vient de le terminer, enfin on l’a terminé au mois d’avril, c’est un peu récent.
Trailer du Cri du Homard
Le Cri du homard, Nicolas Guiot, avec Claire Thoumelou et Anton Kouzemin, 30 minutes, Belgique-France, Ultime Razzia Productions, 2012, César du meilleur court-métrage 2013.
C’est un film extrême, qui montre le corps qui souffre, qui force. Pour son tout premier festival, Flow est reparti avec le prix Révélation. Il offre à son réalisateur, Hugues Hariche, des aides techniques. Nous avions rencontré ce dernier la veille de la cérémonie de clôture, pour en savoir plus sur son court-métrage.
Flow [flo] :(Psychologie) État mental de concentration lorsque l’on est complètement immergé dans ce que l’on fait.
John est un colosse, une masse. Pour entretenir chaque muscle de son corps, il a fait de sa passion son métier. Chaque jour, c’est le même rituel : salle de gym, coaching, régime strict. Et puis il y a cette fille, Laurie. Mais a-t-il seulement une petite place à lui accorder dans cette vie ordonnée ?
Écoutez la réaction de Hugues Hariche, prix Révélation du festival
Report Ouest – Dans Flow, vous filmez John, le bodybuilder, dans son quotidien, à la salle de gym, chez lui. Ça aurait presque pu être un documentaire ?
Hugues Hariche Le personnage de John dans le film est un vrai bodybuilder, ce n’est pas un acteur. Je me suis inspiré de son histoire pour écrire le film. Comme je l’ai pris lui, dans le rôle principal, il y a un forcément un côté documentaire. En dehors de la scène du show, filmée au Georgia Bodybuilding Championships à Atlanta, toutes les scènes sont écrites et donc jouées. C’est une fiction.
Quel est le message que vous avez souhaité véhiculer dans Flow ?
Ce que j’ai voulu montrer, c’est la manière dont une personne peut s’impliquer quand elle a une passion. A un point tel que cela prend entièrement son quotidien. L’implication que ça demande, les sacrifices que John fait pour ça… Et en chemin, ce qu’il perd socialement et affectivement. Il n’a pas de vie sociale, son quotidien c’est la salle de gym et chez lui. Il n’a pas la place pour Laurie, dans le film, avec qui il avait une histoire avant et qu’il n’arrive pas à poursuivre, bien qu’il y ait quelque chose d’assez fort entre eux.
Le film a été tourné en Géorgie, aux États-Unis. Est-ce-qu’il aurait pu être tourné en France ?
J’ai construit l’histoire avec John, que je connais depuis une dizaine d’années, et qui m’a inspiré le film. Cela me paraissait évident de le faire avec lui. C’est lui qui m’a introduit dans le monde du bodybuilding, qui m’a expliqué, qui m’a permis d’assister au show à Atlanta.
Et puis aux États-Unis, tout le monde passe par la salle de gym, tous les jeunes soulèvent de la fonte. En France, on a une image beaucoup plus ringarde du culturisme. Cela ne correspondait pas à ce que je voulais montrer, je ne voulais pas ringardiser le bodybuilding. Je voulais juste parler de John à travers sa passion, qui est le bodybuilding, mais qui aurait pu tout aussi bien être autre chose.
Hugues Hariche a remporté le prix Révélation pour son film Flow. Crédits Report Ouest
C’est une histoire assez tragique. Comme John Fournier, l’acteur, a-t-il pris le film ?
Depuis le départ j’avais été clair avec lui, je lui ai expliqué mon intention, il n’y avait pas d’équivoque. Mais il n’avait aucune idée de la façon de faire un film. Nous n’avons pas fait de répétitions. John est assez monolithique dans le film, c’est un personnage qui est assez taiseux, qui montre peu d’émotions… Même s’il n’avait pas été très bon acteur, j’aurais pu travailler avec lui.
Il s’est avéré qu’il est plutôt bon acteur et qu’il a une grosse présence à l’écran, ça m’a beaucoup aidé. Il n’avait aucune idée de ce que cela pouvait donner. On était une petite équipe de tournage, à quatre (preneur de son, chef opérateur, assistant, réalisateur). On tournait avec un 5D, un appareil photo.
Quand John a vu le résultat, il a été étonné par la qualité du film, et il a aussi trouvé ça très juste, on a un peu décrit son quotidien, il était content.
Comment avez vous financé le tournage de Flow, justement ?
J’ai écrit le scénario assez rapidement, fin 2010, ensuite j’ai trouvé un producteur, Kazak productions.
Mais j’avais la dead-line du show, en juillet 2011. Donc on avait trois ou quatre mois pour trouver de l’argent, ce qui est quand même assez court pour demander des subventions, au Centre national du cinéma (CNC, NDLR), etc. On a déposé le dossier au CNC, mais on n’a pas eu d’aides. Le producteur n’était pas prêt à se lancer comme ça, alors que je n’avais jamais travaillé avec eux avant. Donc on a décidé avec ma compagne de produire le film, pour la partie tournage et Kazak s’est occupé de la post-production. On est donc à 50/50 sur le film. Ce sont des montants assez ridicules pour un court-métrage, le film a coûté moins de 20 000 euros.
Habituellement, pour un film de cette durée on monte facilement à 100 000 ou 150 000 euros. L’aide à la post-production de l’Ile-de-France nous a permis de rembourser une partie des frais. Le film vient d’être acheté par France Télévisions.
C’est ça, la plus grande satisfaction, avoir une diffusion télé ?
D’un côté oui, parce que le film va être vu, que c’est de l’argent qui rentre et qui nous permet d’être dans nos frais. Mais la diffusion télé c’est un peu abstrait, je ne suis pas derrière chaque personne qui regarde l’écran, dans son fauteuil.
Les festivals c’est ce que je préfère pour la vie du film. Il est vu en public, sur grand écran, la meilleure façon pour l’apprécier.
Flow, de Hugues Hariche, avec John Fournier et Michaela Landay, 22 minutes, Kazak Productions, 2012.
Massimiliano Nardulli, programmateur du Festival européen du film court, nous avait promis une 27e édition décalée. L’homme aux baskets rouges s’est donc collé à notre interview pas comme les autres. Le principe : des questions cocasses qui correspondent chacun à un film, des réponses du tac au tac.
La seule chose que je peux vous dire c’est qu’Alexei, le réalisateur du film, je l’ai rencontré dans des endroits improbables. Le film, je pense qu’il lui ressemble. Alexei lui-même c’est l’herméneutique pour moi. Et si vous le voyez à Brest, perdu à 5 heures ou 6 heures du matin, vous comprendrez son film sinon… c’est impossible à comprendre !
Ouhhh ça c’est bien comme question. Le plus malheureux… C’est celui qui arrive en retard dans une séance de compétition sans doute. Ou celui qui arrive en retard dans plusieurs compétitions, c’est encore plus malheureux.
Messi. Parce que moi c’est Massi… Messi… Déjà y’a une consonance pas mal.
C’est quoi ton nom de catcheur ?
Wahou. Ah, ça c’est dur. Mon nom de catcheur… Ouhhh… Je sais pas. J’aime bien le Tiger Boy en fait. Je trouve que c’est pas mal, le Tiger c’est pas mal.
C’est quoi le pire : être enfermé dans un ascenseur avec un gorille ou être attaché au sol alors qu’un escargot géant arrive ?
Avec un gorille dans l’ascenseur quand même. On ne sait jamais ce qui se passe dans la tête d’un gorille.
Qu’est-ce-qui compte, le voyage ou la destination ?
Le voyage. C’est toujours le moment où tu fais des rencontres. Après quand tu es arrivé c’est bon, c’est fini, tu es déjà là ! Mais le voyage c’est vraiment la magie.
C’est quoi la dernière chose que tu as perdue puis retrouvée ?
Bonus : Rigid Regime, le film le plus fou du festival
Il faisait partie des cinq films décalés de la sélection Brest Parano. Rigid Regime met en scène un chinois manchot et bientôt unijambiste. Mais pourquoi donc Massimiliano a-t-il sélectionné cet OFNI (Objet filmique non identifié) ? “J’étais dans une toute petite ville des Pays-Bas… Pendant une soirée un peu arrosée on m’a montré le film. J’ai tout de suite voulu le présenter à Brest !“
L’histoire de deux amis fâchés qui mettent à nu en public leurs différends, c’est ce que raconte Stronger, le premier film d’Hugo Benamozig et Victor Rodenbach. Deux jeunes réalisateurs et surtout amis, qui se sont liés dès leur premier jour à la Fémis, grande école parisienne du 7e Art. Interview du duo depuis le festival du Film Court de Brest, après la projection du film, présenté mercredi 14 novembre en compétition française, quelques jours avant l’obtention du Prix France 2.
Sylvain Ernault – Vous avez co-écrit et co-réalisé Stronger. Vous avez tourné ce film ensemble parce que vous étiez camarades de promo ?
Hugo Menamozig – Oui, en fait Victor est la première personne que j’ai rencontré à la Fémis, et il m’a dit qu’il s’appelait Victor et moi Hugo et je me suis “tiens c’est marrant, on pourrait faire des trucs ensemble” et Stronger c’est notre premier court métrage. Là on vient d’en terminer un, enfin on était en tournage jusqu’à avant-hier et on poursuit la co-écriture et la co-réalisation ensemble.
SE – Qu’est-ce qui vous a inspiré pour faire Stronger ?
Victor Rodenbach – L’envie de départ était de parler d’amitié avant tout, quelque chose qui nous intéressait beaucoup. Après Stronger c’était un cas un peu particulier car c’était d’une certaine manière une commande, puisque c’était dans le cadre du travail de fin d’étude d’un élève producteur de notre école. Et pour ces travaux de fin d’étude de producteur ils font appel à d’autres élèves, qui sont pas forcément destinés à faire un film à ce moment là. Et donc Stronger rentre un projet plus collectif d’un élève qui s’appelle Pierre-Louis Garnon, plus largement autour de la musique et du rock. Il savait qu’on avait un intérêt pour la comédie et il aimait ce qu’on pouvait écrire dans cette veine-là. Avec pas mal de contraintes à la fois budgétaires et de temps, tout s’est fait très vite, notamment en termes de décor, d’où le huit-clos et tout se passe dans un seul lieu. On a écrit et tourné le film en l’espace d’un peu plus d’un mois et demi-deux mois donc vraiment en très très peu de temps.
Photo de profil (“volée” sur) Facebook de Victor Rodenbach (à droite), accompagné par Hugo Benamozig.
SE – Les acteurs c’est les camarades de promo aussi ?
VR – Euh, non quasiment, des acteurs qu’on connaissait par ailleurs, qui sont des amis à nous. Et qu’on avait envie de faire jouer. Y’en a un qui est pas du tout acteur et qui nous fait beaucoup rire et qui a un corps qu’on trouvait amusant. C’est vraiment ce truc d’écrire, fin, y’a tout un truc dans l’école qu’on a faite qui est de faire des films sur les corps des acteurs et tout ça et nous on a voulu un peu amener de la dérision. Vraiment, écrire une comédie sur deux jeunes hommes qui a priori ne sont pas du tout fiers de leurs corps mais qui pour cette séance de pose nue sont amenés à dévoiler leurs corps. Et à se mettre à nu. Et à régler leurs problèmes, enfin, une sorte de rupture d’amitié qui a eu lieu entre eux. C’est un peu leur laisser l’opportunité eux de se mettre à nu et d’assumer leurs corps comme ils sont c’est à dire des corps normaux en fait. Et qui sont drôles par moment, émouvants par d’autres. Travailler un peu le truc d’une esthétique qu’on a pas trop l’habitude de voir en général au cinéma.
“On leur a promis beaucoup d’argent pour jouer nus. Ils l’attendent toujours…”
SE – Dans le film les personnages sont convaincus de poser nus pour les beaux yeux d’une jeune fille. Les acteurs ce sont vos amis, c’est donc vous qui avez dû les convaincre de jouer nus. Ça n’a pas été trop difficile ?
VR – Si, si, on leur a promis beaucoup d’argent pour le faire. Ils l’attendent toujours… Non, en fait on les a convaincu sur la base d’un scénario. Eux ne se connaissaient pas du tout. Ils sont devenus potes sur ce projet aussi quoi. Et tout le défi pour nous c’était vraiment d’essayer de travailler une complicité entre eux quoi. Et donc on a fait énormément de répétitions. C’est les acteurs aussi qui ont amené beaucoup de leurs répliques, des dialogues qu’ils avaient envie d’ajouter au scénario. Mais du coup on les a impliqué très tôt dans le processus même, même si ça a été assez court comme processus de réalisation (sourires).
HB – Ça s’est fait progressivement, y’a eu un effeuillage progressif de répétition en répétition. Pour se faire à l’idée.
SE – Ça leur a pas pris beaucoup d’heure de rester nus sur leur petit promontoire ?
VR – Si, si, les premières répétitions nues étaient le plus difficile. Après, le mal était fait. Les mâles étaient faits (rires).
Maxime (Tebeka) et David (Caviglioli), amis fâchés, se retrouvent à poser nus dans une école d’art, convaincus par la même fille.
Célia Caradec – Comment est financé le film ?
HB – On a la chance d’avoir été élèves dans une école qui s’appelle la Fémis, qui est une école publique, assez bien dotée, qui a les moyens de produire les films de ses étudiants sur fonds propres. On n’a d’ailleurs pas le droit de chercher des financements ailleurs pour pas porter de concurrence aux sociétés de production qui font appel à des guichets. Donc la production a été entièrement prise en compte par l’école, avec du matériel de l’école en grande partie et voilà.
“C’est une vie qui fait un peu peur, mais qu’on attaque ensemble”
CC – Aujourd’hui vous n’êtes plus étudiants. Vous avez un deuxième projet en cours. Ça fait peur de se lancer vraiment dans le cinéma ?
HB – Oui, ça fait un peu peur forcément, nous on a la chance d’avoir rencontré un partenaire de production en la personne de Pierre-Louis (Garnon NDLR) qui produit Stronger. Et qui du coup est devenu producteur par la suite dans une société de production et qui a produit notre nouveau cours métrage. C’est une collaboration qu’on poursuit. On grandit ensemble. Oui c’est une vie qui fait un peu peur mais qu’on attaque ensemble donc c’est rassurant. Et aussi notre équipe technique autour de nous, le chef opérateur de Stronger est le chef opérateur de notre nouveau film, on avance ensemble quoi. Donc on sait que ça va pas être facile, mais au moins on sait qu’on est un peu en famille.
VR – Et puis y’a quand même quelque chose de très excitant dans le fait de se lancer là-dedans. Et avec une équipe avec qui on a envie de grandir. Et c’est vrai que tous, sur ce deuxième court métrage par exemple, on est tous assez inexpérimentés. C’est tous quasiment notre deuxième expérience. Et mine de rien, faire ce deuxième court métrage, aller plus loin dans la comédie, mais essayer d’avoir plus de fond, de raconter quelque chose qui nous tient à cœur, on est poussés en avant, c’est vraiment quelque chose d’assez enthousiasmant.
SE – Justement, sur ce deuxième film, ça répond à une commande ?
VR – C’est pas du tout une commande, c’est vraiment quelque chose qui vient de nous. Et là pour le coup ça parle de l’enfance, qui est vraiment quelque chose dont on a envie de parler. C’est une journée que passent à la piscine un père et son fils…
HB – Une comédie douce amère sur l’enfance.
VR – C’est l’apprentissage de la séduction.
SE- Et vous une date de fin de production ?
HB – Non, on aimerait bien, là on va commencer le montage dans une semaine.
VR – On devrait finir le film pour le printemps prochain je pense, un peu avant.
SE – Après pour la diffusion, c’est le producteur qui va gérer ?
HB – Ouais voilà, c’est à peu près ça. C’est un peu difficile de savoir pour le moment.
VR – On espère que le film sera de nouveau à Brest. Par exemple. Mais… d’autres festivals, peut-être.
CC – On était avec les Paillowski Brothers plus tôt aujourd’hui, des Français, qui nous disaient “nous, attendre des subventions pendant six mois, ça nous plait pas, nous ce qu’on aime bien c’est avoir une idée, faire avec les moyens qu’on a et tourner”. Vous avez peut-être une vision différente en sortant de la Fémis sur la façon de procéder ?
HB – On a pas vraiment été confrontés à cette attente-là, sur notre nouveau film, on a eu la chance que les choses se fassent assez vite. Je peux comprendre cela. Après nous le temps entre l’idée et l’écriture est quelque chose qui nous plaît aussi. Avant d’être réalisateurs on est peut-être scénaristes. Et donc pour nous c’est un temps important, d’écriture de développement, qui a du sens. Après je pense qu’il est possible d’être impatient par rapport à tout ça. On n’y a pas vraiment été confrontés, ça ne saurait tarder sans doute.
SE – Pour vous le court-métrage, c’est une passerelle vers le long, un passage obligé ou alors en soi déjà un objectif qui peut représenter toute une carrière, ou mener vers d’autres genres comme le clip ou la publicité ?
VR – En fait a priori pour nous c’était pas du tout un objectif de faire un court-métrage, ni même de se dire “il faut qu’on en passe par là pour arriver long métrage”, mais il se trouve que ce premier court on l’a fait dans l’énergie de l’école, avec l’énergie de… voilà, on nous commande ce thème et on avait envie de raconter cette histoire. Mais, le deuxième court pour nous s’est imposé, car il se trouve qu’on a écrit cette histoire, qui se racontait en très peu de temps, et qu’on avait très très envie de raconter. Du coup, en fait c’est pas l’idée de “on va aller le long avec ça”, mais c’est juste que peu importe le temps qu’on a, mais de toutes façons on a envie de raconter cette histoire et ça aurait pas de sens de la raconter en plus de temps. C’est un truc très court et c’est arriver à cette émotion là en moins de vingt minutes. La forme dépendant directement de l’histoire.
“On a aussi des désirs d’histoires plus longues et de formats plus longs”
HB – Ouais c’est ça. Je pense qu’initialement nous notre désir de cinéma et de réalisation vient d’un format long dans lequel on a été exposé en tant que spectateurs, qui nous a donné goût au cinéma plus naturellement et on a plus découvert le court à travers nos études pour des raisons de production et de moyens et on a appris à aimer cette forme-là et donc comme disait Hugo on allait très naturellement vers ce nouveau scénario sans en avoir le besoin, sans se dire, “il faut qu’on fasse un court avant de passer au long” même si c’était sans doute le cas, c’est pas ça qui a motivé notre envie. Y’avait juste un désir d’histoire très forte qui allait là-dedans. Mais on a aussi des désirs d’histoires plus longues et de formats plus longs.
SE – En termes de réalisateurs, de genres cinématographiques que vous appréciez, spécialement, vous avez des goûts différents ?
HB – Ben on est tous les deux, très fans, de Hong Sang-Soo, sur la comédie touristique coréenne (rires) je ne sais pas comment on pourrait décrire le genre d’Hong Sang-Soo. Non mais on s’est très vite rencontré à la Fémis, sur un amour de la comédie en fait déjà. Ou mine de rien, c’est vrai que dans notre école c’est pas très répandu. En fait la plupart des gens aiment ça, mais c’est pas ce qu’ils font spontanément comme cinéma quoi. C’est plus souvent des trucs sur le deuil quoi. Ce genres de choses. (rires) Et du coup ce désir de raconter des trucs de manière drôle, comme la comédie américaine ou la comédie italienne de Dino Risi, la grande année (sic) de la comédie italienne, ça nous a rapproché tout de suite. De films comme Le Fanfaron (1962). Aujourd’hui Hong Sang-Soo fait un truc qu’on aime beaucoup.
VR – Voilà, Comédies de tous horizons.
SE – Vous parliez du deuil comme thème qui revient souvent, c’est pas l’impression laissée par la programmation du festival, mais c’est vrai qu’on dit le format court plutôt sombre. Vous, vous avez quel regard sur les films d’auteurs plus tristes…
HB – C’est une catégorie assez large quand même. Je pense que y’a des bons films et mauvais films qui pourraient répondre à ça.
SE – Mais vous, c’est quelque chose qui vous intéresse ?
“Dès qu’on essaye d’être un peu moins légers forcément on a un truc qui est plus sombre”
HB – On est plus portés par la comédie en tant qu’auteurs effectivement, même si on développe pas que ça non plus ; et en tant que spectateurs on aime, mais on a des goûts très divers et éclectiques. Bien sûr ça ne se limite pas à la comédie.
VR – Mais en l’occurrence…
HB – (le coupe) Je pense que y’a des très mauvais films sur le deuil comme y’a des très bons films sur le deuil…
VR (rires) C’est clair ! Mais le deuxième là qu’on a fait, justement c’est une comédie encore et pour nous c’était important d’affirmer un truc sur… essayer de faire rire quoi, essayer d’être dans cette énergie-là… Un truc humoristique, mais c’est vrai que c’est très difficile quand on veut raconter une histoire qui a du sens, de pas être rattrapé par un truc un peu plus grave… Enfin “grave” non, mais un peu plus lourd. Dès qu’on essaye d’être un peu moins légers forcément on a un truc qui est plus sombre. Et notamment c’est vrai que ce deuxième film a une tonalité qui est plus amère, c’est vrai que y’a un truc qui s’ancre plus.
CC – On parle souvent de l’effet de salle, qu’est-ce que vous avez ressenti ce soir ?
HB – On a été à l’écoute, ouais, bah c’était une bonne projection. La salle était pas pleine.
VR – Ouais, en fait globalement, moins la salle est pleine, moins ça rigole en fait ! (rires) Pour la comédie, enfin pour notre film, c’est assez radical. Plus les gens sont nombreux, plus le rire se propage. Donc là la salle était à moitié pleine. (rires)
HB – Y’a un jugement immédiat dans la comédie c’est celui du rire et ça s’est bien passé ce soir.
VR – C’est vrai que le verdict de la salle qui ne rit pas au moment où on s’y attend, c’est une bonne école aussi.
SE – Vous présentiez où le film avant ?
VR – On l’a présenté dans différents festivals, il était à…
HB – Ici et demain…
VR – Il était à Ici et demain à Paris, il était au festival d’humour de Meudon, puis il a un peu voyagé à l’étranger, on a eu cette chance. Il est parti à Toronto, il est parti en Corée, il est parti aux Pays-Bas…
VR et HB – A Saint-Pétersbourg…
VR – Apparemment les Russes sont très fans du films (rires) ! On n’y est pas allés mais, ça devait rigoler pas mal à Saint-Pétersbourg…
SE – Ils sont peut-être extrêmement pudiques alors c’est ça qui les fait rire ?!
HB – (rires) c’est ça, exactement.
“Stronger” n’étant pas visible sur le web, voici sa BO, interprétée par La Pompe Moderne, collée sur un autre montage court.
Stronger, Victor Rodenbach et Hugo Benamozig, avec Maxime Tebeka et David Caviglioli, 22 minutes, La Fémis, 2011.
“On s’est dit : tant qu’à aller à Las Vegas, autant tourner un film“. Au départ, Loïc Paillard et Arnaud Sadowski, les Paillowski Brothers, avaient rendez-vous dans “la ville du pêché” pour le salon mondial des nouvelles technologies. Les lumières et l’extravagance des casinos leur inspirent un scénario de polar. Mais très vite les casinos sont remplacés par le désert californien. Et le polar par une jolie fable sur la vie. Son titre : Her name is Crazy.
Le pitch : “Mister Angry” est un écrivain raté. Même se foutre en l’air, il n’y arrive pas. Sur la route, en plein désert, il manque d’écraser Crazy. Jolie brune un peu barrée, allongée sur le bitume. Sa devise : “ce n’est pas la destination qui compte, c’est le voyage”. Crazy s’installe dans la voiture de Mister Angry. Pour partager un peu plus qu’un bout de chemin avec lui…
Her name is Crazy sera prochainement adapté en long métrage.
Arnaud Sadowski, co-réal’ et Théophile Rivière, ingé-son sur notre divan
On parle beaucoup de crise, de morosité ambiante depuis quelques années. Derrière le drame, votre film porte un message plutôt positif…
Théophile (à gauche) et Arnaud, à l’aise à Brest comme à Las Vegas. Crédits Sylvain Ernault
Arnaud Sadowski – On avait envie de grands espaces, de liberté… A l’heure actuelle, tout le monde se plaint pour quelques euros de découvert, pour les petits tracas du quotidien… Le message qu’on veut faire passer dans Her name is crazy, c’est finalement qu’il y a des choses bien plus graves dans la vie.
Je vais me mettre du monde à dos, mais le côté “masturbation intellectuelle” du cinéma français du type “je me lamente dans une chambre de bonne parce que la vie est difficile”, je ne vois pas l’intérêt. Quand je rentre dans une salle de cinéma, ce n’est pas pour qu’on me raconte la même chose que ce qui passe au 20 Heures.
On peut parler de choses graves, de la vie, de la mort. Mais on peut le passer à travers un film optimiste et joyeux avec un fond intéressant, sans réfléchir pendant des heures… Il y a plein de films qui l’ont prouvé en salle, comme Intouchables, qui part d’un postulat hyper sombre, le handicap, mais qui fait mourir de rire les spectateurs pendant une heure et demie.
Théophile Rivière – On aime l’idée d’un récit filmique qui offre une évasion aux gens… Le cinéma a toujours été une évasion, des pays comme l’Espagne l’ont bien compris. En France, il y a cette obligation d’être ancré dans le réel, de voir son quotidien au cinéma… Les Paillowski Brothers viennent un peu remuer cela.
A vous écouter raconter l’histoire de ce tournage, on a l’impression que le projet n’en était pas vraiment un au départ, c’est plutôt un coup de tête ?
A. S – Ça a été vingt heures de tournage, des comédiens appelés sur place, des prises de vues dans les casinos sans autorisation, une journée dans le désert… En tout, le film n’a coûté que 400 $. En fait, avec Loïc, nous avons un problème : chaque fois qu’on a l’idée d’un film, on a envie qu’il soit écrit, tourné, monté, étalonné le plus vite possible. Nous on fait des films à l’envers. On regarde ce que l’on a : un trépied, une grue, un appart’ dans Paris pour le tournage, des potes comédiens disponibles… Et ensuite on se demande ce que l’on peut faire avec ce dont on dispose immédiatement.
T. R – Certes, tourner un film c’est compliqué, mais c’est d’abord une envie de changer l’ordre établi. On voit des gens avec un scénario, en attente de subventions du Centre national du cinéma (CNC, NDLR) depuis 4 ans… Mais le but c’est de promouvoir une idée, faire naître un film, que cela soit en deux mois ou en deux ans de préparation. Réaliser des courts-métrages, c’est d’abord un plaisir.
Désert brûlant et gueule de bois : les dessous de Her name is Crazy (Making-off)
Her name is Crazy, The Paillowski Brothers, avec Zack Zublena et Leslie Coutherand, Tracto Films, 2012.
En tournée promo dans les Côtes-d’Armor, l’acteur-réalisateur français a présenté le 15 mars à Lannion sa dernière fiction, dans laquelle il apparaît aux côtés de son ami Jamel Debbouze. Détendu mais pressé, Alain Chabat a répondu aux questions des spectateurs des Baladins et de So Ouest avant la projection du Marsupilami.
Qu’est-ce qui vous a motivé à réaliser le Marsupilami ?
Ça part de deux envies. D’abord retravailler avec Jamel, ça faisait longtemps qu’on avait envie de faire un duo. Dans les précédents films nous n’avions pas de scène ensemble. Et puis j’adore le petit personnage du Marsupilami, créé par André Franquin (en 1951, NDLR), un dessinateur belge. Ce personnage est vraiment extraordinaire. Il ne m’a jamais quitté et j’avais envie de l’avoir en vrai. Car c’est un vrai (rires). Je le précise car les enfants le savent, mais les adultes en doutent. On l’a trouvé en Palombie.
Avec la crise, est-ce que vous avez des difficultés à financer ce genre de film ?
Faire un film c’est compliqué, c’est un parcours du combattant. Il faut réunir des financements, réunir un casting idéal. Il y a plein d’embûches. Là, j’espère qu’il y a du spectacle, parce que c’est le but du jeu. Il faut des gens qui font des décors, des maquilleurs, des coiffeurs, des “repéreurs”, des effets spéciaux, des sculpteurs, des peintres, des monteurs… beaucoup de monde à faire bosser. C’est plutôt joyeux comme genre d’entreprise, mais effectivement ça a un prix. Le film coûte plus de 160 000 palombos !
Alain Chabat a confessé ne pas connaître la Bretagne. Crédits So Ouest
Aviez-vous pensé à tourner en 3D ?
Oui, j’avais même fait faire des essais pour tourner en relief qui m’avaient emballé en stéréoscopie, en 3D native. Après on a regardé les difficultés que ça entrainait car on a tourné dans des vraies jungles, qui sont très humides et très chaudes. A l’époque les caméras ne supportaient pas ces températures extrêmes. Du coup on a abandonné le tournage en relief pour faire un film normal en 2D, en 35mm dans les salles équipées. Mais le film est en Imax (le premier film européen dans cette norme, NDLR). Il n’y a pas beaucoup d’écrans en France, cinq, mais on l’a redimensionné pour l’image et le son.
Justement, les conditions du tournage au Mexique étaient-elles compliquées ?
C’était super franchement. Le Mexique c’est un pays extraordinaire. Les gens, les villes et les jungles qui étaient magnifiques. On était bien préparés pour ces tournages un peu extrême. J’avais une super bonne équipe avec des gens tout-terrain et rigolos en plus. On est passés à travers les difficultés sans accident, ce qui était vraiment le but principal. Qu’il n’y ait pas de gens blessés ou piqués par des bestioles dans la jungle. On était bien préparés car on a pu s’amuser.
Le Marsupilami est-il connu au Mexique ?
Non, ils avaient seulement vu quelques images. Des peluches sont en vente sans qu’ils sachent bien qui est le personnage. Les tout-petits connaissent, les plus de 40 ans aussi, au milieu c’est un peu flou. Mais c’est une bonne manière de présenter, j’espère, le personnage à ceux qui ne le connaissent pas.
Tourner avec Jamel, c’était une envie de votre part ?
Non, j’étais obligé pour des raisons d’argent. Je lui dois de l’argent. J’avais perdu un pari sur Astérix, que j’ai honoré là. Sa famille est plus nombreuse que la mienne et ils sont plus costauds. C’était une menace, il n’y avait aucun plaisir là-dedans… Non, c’était une envie que nous avions depuis Astérix. Je l’ai pensé à l’écriture en me disant que j’avais envie que nous formions un couple à l’écran. Si il n’y avait pas Jamel, il n’y avait pas de film. Ça faisait parti de l’envie de départ.
Alain Chabat incarne un journaliste dans le Marsupilami. Il a pris la pose pour le magazine des étudiants en journalisme de l'IUT de Lannion. Crédits So Ouest
Il y a aussi des gens moins familiers avec la comédie comme Lambert Wilson, qui sortait des Hommes et des dieux. Et puis Jacques Webert qui a un parcours très éclectique. Aissa Maiga, qui est super et Liya Kébédé, qui était dans Or Noir et dans Perles du désert. On mélange des gens qui ont envie de faire rire.
On a aussi un catcheur américain, le Great Khaly, qui mesure 2m21. Je ne connaissais pas bien le catch. J’ai cherché en France des gars impressionnants, il y a Jérôme Le Banner, qui en plus est un bon acteur. Mais je voulais plus encore.
Vous avez joué dans La nuit au musée 2. Avez-vous une envie de carrière aux États-Unis ?
La nuit au musée c’était vraiment une très bonne expérience. Je me suis très bien entendu avec Ben Stiller. J’adore le cinéma américain. Quand il y a un projet bien j’ai envie de faire des choses. Ce sont des ponts. J’ai plein d’amis là-bas, que je vais visiter, qui sont dans le cinéma ou pas du tout.
Allez-vous reformer les Nuls dans un film ?
Je ne pense pas que ce sera un film. J’ai l’impression que c’est une trop grosse entreprise. On n’a pas de projet précis, mais on a toujours des envies qui trainent. Peut-être de la télé, des sketchs sur le net ou sur scène…
A quand la sortie de Red is dead en version longue ?
Très bonne idée ! Je vous la pique et je dirai que c’est la mienne. Je ne sais pas ce qui reste comme rush et comme images de ce truc là. La cité de la peur a eu 18 ans le 9 mars dernier. C’est drôle car effectivement on en parle beaucoup avec Dominique [Farrugia] et Chantal [Lauby] et ça nous rappelle des souvenirs.
Nouveau coup de poing de la part de notre ancien Rocky Balboa. Mais cette fois il rate sa cible. A force de trop donner dans les explosions, l’humour de culturiste et les répliques lourdes, The Expendables : unité spéciale laisse un arrière gout amer. Le comble du comble : derrière les effusions de sang se cache une histoire d’amour platonique. Heureusement que le casting de choc réveille une certaine nostalgie.
Sortir d’une salle de cinéma après avoir vu The Expendables : unité spéciale laisse un (très) gros vide au niveau du cortex cérébral. Bien entendu, quand on regarde la bande annonce du film de Sylvester Stallone on ne s’attend pas à tomber sur un chef d’œuvre du septième art, mais tout de même. Comme tout bon film d’action on s’attend à des scènes spectaculaires et le pari est tenu.
Le souci avec The Expandables : unité spéciale c’est que l’électrochoc visuel qu’il provoque est loin d’être agréable. Les plans se succèdent trop rapidement avec des raccords parfois contestables. Ce qui provoque une certaine confusion, notamment lors des passages où l’action est intense. Le concert incessant des explosions, dont l’origine est souvent risible, ne fait qu’ajouter un peu plus de désordre à ce joyeux bazar.
Malheureusement, mais il faut bien en passer par là, il y a quelques petites choses à préciser sur le scénario. L’histoire est simple : une bande de mercenaires acceptent des missions de la part des gouvernements ou d’autres commanditaires pour aller massacrer des terroristes et sauver des otages (un miracle d’ailleurs qu’ils survivent à chacun des « sauvetages » de la milice conduite par Stallone). Un jour, ils sont recrutés pour une mission à haut risque consistant à faire taire un dictateur en Amérique du Sud. Jusque là, rien de très gênant.
Un hic cependant : les éléments scénaristiques ridicules s’accumulent à une vitesse prodigieuse. Dialogues qui frôlent la bêtise et omniprésence de l’hémoglobine du type « tirs de fusil à pompe dans le méchant dont la moitié du corps se retrouve accroché au mur ». Et pour bien enfoncer le clou, derrière le tout se cache un idylle amoureuse.
Un point fort tout de même, le casting. Toute le communication a été réalisée autour des plus grands acteurs du film d’action américain. Les fans du genre auront plaisir de retrouver Stallone, Bruce Willis, Arnold Schwarzenegger, Jet Lee, Mickey Rourke ou encore Jason Statham (Le transporteur) et de surcroit dans le même film. Un petit regret tout de même, certains comme Schwarzenegger ou Willis ne sont présents que le temps d’une scène et pendant quelques minutes.
En conclusion, ce film n’est certainement pas pour quelqu’un voulant voir du bon Stallone, tant ce dernier a montré beaucoup mieux par le passé comme son Rocky Balboa. En revanche une bande d’amis pourra passer un moment de franche rigolade, si elle a six euros en trop dans le porte-monnaie.
Jordan Chantier
Réalisateur : Sylvester Stallone Scénaristes : Sylvester Stallone et Dave Callaham
CC – On était avec 
HB – Ben on est tous les deux, très fans, de 
