Yves-Marie Le Lay a fait reconnaître cette semaine par la justice administrative le préjudice écologique causé par les marées vertes en baie de Saint-Brieuc. Une victoire qui intervient au moment où le film « Les Algues vertes » de Pierre Jolivet séduit un large public au cinéma. Début juin, nous avions réuni le lanceur d’alerte breton et le réalisateur pour une interview croisée, lors d’une avant-première organisée à Plestin-les-Grèves (22).
Passer de journaliste pigiste à héroïne de film, c’est la trajectoire inattendue suivie par Inès Léraud, dont trois années de vie sont portées sur grand écran dans « Les Algues vertes », de Pierre Jolivet. Méthode de travail, risques, engagements… Nous l’avions rencontrée le 2 juin 2023, lors d’une avant-première organisée dans le cinéma associatif de Callac (22).
Les Algues vertes est sorti en salles le 12 juillet 2023.
Les quartiers changent, évoluent. Souvent, on oublie leur passé, leur architecture, leurs caractéristiques. Les destins qui s’y jouent sont pleins d’incertitudes, de rebondissements. Parfois, le souvenir de ceux-ci s’altère. Un effacement des vies et des lieux fusionné de manière émouvante dans la bande dessinée À Marée haute.
La bande dessinée s’ouvre par une citation de Julien Gracq. Dans la page suivante, une grue Titan apparaît. Peu après, c’est l’usine Béghin Say qui est représentée. Autant d’éléments symboliques qui plantent le cadre de À Marée haute : la ville de Nantes et plus particulièrement son île éponyme.
C’est là, dans ce lieu en pleine mutation, que se joue l’histoire de Fabrice et sa grand-mère Suzanne. Lui est un adolescent qui a fait des anciens chantiers navals son terrain de jeu. Elle est une personne âgée, ancienne habitante du quartier, et l’une des nombreuses petites mains qui ont œuvré dans la zone portuaire.
Tous les deux sont des témoins privilégiés d’une lame de fond : la tombée en désuétude puis la gentrification d’un ancien quartier industriel. Une histoire d’autant mieux racontée qu’elle est en grande partie autobiographique. « Le jeune homme c’est moi. Il y a 80 % de vécu dans ce récit. Ce sont mes souvenirs, mon enfance durant laquelle j’ai vu un quartier changer », détaille Aurélien Boulé, le scénariste.
Longtemps resté dans les cartons – huit ans environ – son projet était à la base destiné pour le cinéma via un court-métrage. « Mais les lieux ont beaucoup évolué et c’était difficile de mettre en image ces changements. Le choix a donc été fait de l’adapter en bande dessinée », relate ce Nantais de 31 ans.
Malgré tout, le lien avec le cinéma est visible au fil des pages. « J’ai souhaité donner un rythme particulier au récit. Il y a parfois des enchaînements de planches faits comme des travelling. On a voulu garder ce mouvement », précise le vidéaste de profession. Ainsi, une large place est laissée au dessin. Souvent le dialogue s’efface. Ce sont les images qui font le récit et évoquent le temps qui passe.
Les saisons défilent sous le pinceau de Paulette Taecke, artiste belge, qui a pris part pour la première fois à une bande dessinée. « Je l’ai rencontré quand j’étais en Belgique. C’est une peintre connue en Flandre, une spécialiste de l’univers maritime et des ports », explique Aurélien Boulé. Il a fourni à l’artiste des photos de Nantes comme support de travail.
Le Tripode, le Hangar à banane se dessinent sous ses traits. Le terroir local est aussi mis en lumière avec la représentation des rigolettes nantaises. Des marqueurs forts, supports d’un travail de mémoire, mené par Fabrice auprès de sa grand-mère. Si les images de l’ancien quartier s’effacent, il en est de même pour la vie de Suzanne. Désorientée, la vieille dame perd la mémoire. Une tragédie mal vécue par l’adolescent. Mais les deux protagonistes vont resserrer leurs liens et s’unir pour un dénouement à la fois poétique, tragique et plein d’espoir. Une illustration du quotidien vécu par de nombreuses personnes.
« Si l’histoire est nantaise, elle se veut la plus universelle possible. Il est possible de la transposer dans de nombreux endroits du monde », argue le scénariste. Pas besoin de connaître Nantes donc pour s’imprégner de cette bande dessinée. Mais il est vrai que sa résonance est d’autant plus forte si on a déjà eu l’occasion de se promener près des Machines de l’île et du célèbre Grand Éléphant, symbole s’il en est de l’évolution de l’île de Nantes.
À marée haute, d’Aurélien Boulé et Paulette Taecke, Sixto Editions, 70 pages. 16,90 €.
Puisque tout le monde parle de canicule, voilà une lecture qui se marie très bien avec des températures oscillant entre 37 et 41°c. En vrai, elle se marie à n’importe quelle saison, pourvu que vous ayez le sens de l’humour pour apprécier cette série autobiographique, « Les Petits riens », qui se décline en albums et dont le 7e volume vient de paraître.
Dans « Les Petits riens », Lewis Trondheim prend la vie comme elle va et fait de toutes ses petites anecdotes, drôles, rageantes, belles ou attristantes, des pépites.
Chacune est mise en relief par un auteur qui est à l’image du slogan de la collection Shampooing, dans laquelle paraissent ses « petits rien » aux éditions Delcourt : « Shampooing c’est pour les grands qui savent rester petits et les petits qui veulent devenir grands. » Et voilà tout est dit. On regarde la vie comme on farfouille dans sa boîte aux trésors, tout vaut le coup d’être accepté et raconté pour peu qu’on y accorde un peu d’importance.
Ça passe par ce petit buisson sec, gros comme le point qui roule, porté par le vent comme dans les westerns, que Lewis Trondheim regarde. Il se félicite de cette mini touche d’exotisme dans sa rue. 
C’est aussi cette conversation avec ses vieux copains dans un bistrot, pour savoir combien d’entre eux collectionnaient les petites billes qu’il y a dans les cartouches d’encres des stylos plumes… en fait ils la faisait tous cette collection. Alors Lewis s’interroge sur le réel intérêt de la chose. En fin de soirée, il décide de donner un nom à cette collection puisqu’il n’en trouve visiblement pas sur internet : la parvapilaphilie ! Et de conclure que « ces années d’accumulation stérile auront au moins servi à ça ».
Il s’amuse de tout. Ses anecdotes font sourire, parfois rire un peu jaune ou rire tout court.
Le plus souvent c’est tout simplement vrai, pas de fausses notes mais une sincère autodérision. Pas de rancœur, pas de jugement ou de méchanceté.
La violence n’est pas non plus absente dans ces « petits rien ». Résultat, on se prend parfois une claque.
Entre deux pages qui font sourire on tombe sur celle-ci par exemple : Lewis trondheim évoque les évènements de janvier en disant « depuis trois jours qu’il y a eu l’attentat, plus personne n’envoie ses bons vœux pour 2015 »… Il réfléchit en regardant par la fenêtre et ajoute : « je me demande quel va être le délai décent pour que ça reprenne… ».
Il se dit dans une autre page que s’il avait su que Wolinski allait être exécuté à la kalachnikov pour ses dessins, il ne se serait pas pris le chou avec lui lors des votes pour décerner les grands prix du festival d’Angoulême et aurait même voté pour Manara, pour lui faire plaisir.
Ce sont des remarques et des regrets doux amers qui passent d’autant mieux que l’auteur se représente sous la forme d’un faucon anthropomorphisé. Sa famille, ses amis et les autres personnages ont également des têtes d’animaux.
Le volume 7 s’intitule « Arbre en furie ». Il nous raconte les vélos prioritaires d’Amsterdam ; le monde parallèle des pâtes Barilla ; la découverte de la faune du Québec. C’est léger et c’est comme un miroir qui transfigure notre routine et la rehausse d’un peu de couleur, d’odeur, de sensations. Les imprévus deviennent des surprises ; les retards, des occasions de rencontres, et les virées au supermarché sont dignes des tribulations d’un aventurier.
* Le titre de l’article est inspiré de l’invariable verso de chaque volume des « Petits riens ».
Les Petits riens, Lewis Trondheim, éditions Delcourt, collection Shampooing, « Arbre en Furie », 125 pages, 9 juin 2015, 9,90 €.
Le lianhuanhua, littéralement “images qui s’enchaînent” est un genre en déclin en Chine, méconnu ailleurs… Découvrez la traduction de la BD de Li Zhiwu.
On part en Chine. Mais pas dans la Chine d’aujourd’hui, celle de Xi Jinping. Non. On va assister à la chute de la dynastie mandchoue et à l’avènement de la République de Chine avec la victoire du communisme. « Au pays du Cerf blanc » est, initialement, un récit de Chen Zhongshi publié en 1993, un monument littéraire en Chine qu’il a mis vingt-huit ans à accoucher, une étourdissante fresque historique qui débute en 1911 pour s’achever en 1949, lors de la prise du pouvoir par Mao.
Plutôt que de m’attaquer en 816 pages de la version traduite du roman, (parue aux éditions du Seuil pour les plus courageux), j’ai choisi d’en feuilleter tout autant, mais celles de l’adaptation en bande dessinée réalisée par Li Zhiwu en 2002, dont la traduction française vient d’être publiée. Une adaptation qu’il a choisi de réaliser, selon la tradition de la BD chinoise, en lianhuanhua (ou “images enchaînées”, NDLE).
Une tradition ancienne, millénaire, “mais après 1949, ils ont beaucoup été utilisés par le pouvoir en place pour montrer l’histoire d’une certaine manière et aussi pour mettre en avant l’évolution de la société chinoise”, explique Li Zhiwu.
L’auteur du roman a intégré le parti communiste en 1966. Aujourd’hui ce genre n’est plus vraiment usité en Chine, mais pour lui, c’était incontournable d’employer ce style littéraire pour adapter « Au pays du cerf Blanc ».
Si Li Zhiwu a choisi de respecter une tradition millénaire dans la mise en forme, son style graphique est assez novateur quand on compare son lianhuanhua avec d’autres plus anciens.
“Je m’inspire plutôt d’une tradition issue de la calligraphie ou du dessin de paysages chinois et c’est avec un trait presque caricatural que j’ai eu envie de dessiner les personnages”.
Le style graphique contribue pour beaucoup à l’humour du récit, déjà présent dans les lignes du roman de Chen Zhongshi. Savamment redécoupée, cette bande dessinée traditionnelle qui nous fait parcourir à toute vitesse la vie de ces deux clans : la famille Bai et la famille Lu qui s’affrontent sur le partage des terres, le pouvoir au sein du village du Cerf Blanc…
Au fil des pages et des années, on a l’impression d’être assis au milieu du village à les regarder s’aimer ou se déchirer lorsque les catastrophes diverses, famine, bandits, révoltes s’abattent sur leur village. Et pour ne pas se perdre entre les générations, un petit arbre de chacune des familles a soigneusement été dessinée en fin d’ouvrage.
L’adaptation française en lianhuanhua d’« Au pays du cerf blanc » a été éditée en deux volumes aux éditions de la Cerise. Le tome 2, qui nous mènera jusqu’en 1949, devrait être publié dans quelques mois.
Merci à Yohan Radomski d’avoir traduit les propos de Li Zhiwu.
Au pays du Cerf blanc, Chen Zhongshi et Li Zhiwu, Éditions de la cerise, avril 2014, 29 €.
Riad Sattouf on le connaissait dans un registre plus humoristique, avec « la vie secrète des jeunes » publié pendant 10 ans dans Charlie Hebdo ou les aventures de Pascal Brutal chez Fluide Glacial pour lesquelles il avait déjà reçu un Fauve d’Or à Angoulême en 2010. Ce coup ci pas de grosse brute ultra musclée testostéroné et adepte de la bagarre. Non, cette fois, Riad Sattouf nous prend par la main et nous fait rapetisser pour se retrouver à la hauteur du petit Riad, tête blonde et chevelue, adulée de ses parents, dont les 6 premières années d’enfance vont le balader de la Libye de Khadafi à la Syrie d’Hafez Al Assad, on fait même un saut chez sa grand mère maternelle en Bretagne.
Il y a de quoi être surpris donc par ce périple vécu par un enfant, né d’une union entre un syrien venu étudier en France et une bretonne, rencontrée sur les bancs de la Sorbonne mais c’est à Tripoli qu’a grandi Riad Sattouf à la fin des années 70, où son père, Abdel-Razak Sattouf, avait été nommé professeur.
En fait cette histoire, si elle est racontée par le petit Riad, est véritablement celle de son père, utopiste vouant un culte aux Khadafi, Assad et Hussein et autres grands dictateurs arabes, symboles de modernité et de puissance et meilleur barrage à ses yeux aux obscurantismes religieux… Un utopiste défenseur du panarabisme qui espère que le peuple, une fois éduqué, se libérera des dictateurs…lui qui ne rêve que d’une chose rester vivre dans le monde arabe pour éduquer lui aussi « l’arabe du futur ».
C’est un récit à travers les yeux d’un enfant… mais ce n’est pas toujours rose.
Après la Libye et un court retour en France, Riad part vivre dans le village natal de son près de Homs. Là, parce qu’il a les cheveux longs et blonds il se fait appeler Le Juif. On découvre une société qui, dès l’enfance est obsédée par Israël, qui s’unit autour de la haine d’Israël et on assiste à un après-midi où il va jouer avec ses cousins. On est à hauteur des yeux des enfants en permanence et là on découvre les petits soldats en plastique. Ceux qui représentent les syriens sont dans des positions intrépide et héroïque tandis que les soldats israéliens sont dans des positions fourbes… l’un brandit même un petit drapeau blanc alors qu’il a un couteau dans son dos.
Cette scène comme plein d’autre, nous est montré à la fois avec l’innocence d’un enfant et la pudeur d’un adulte qui ne veut pas noyer ses souvenirs sous une couche indigeste d’analyses géopolitiques qui feraient perdre toute l’essence de cette bande dessinée.
Si le regard posé est candide, on ne nous laisse quand même pas complètement à l’abandon… l’humour se glisse entre les pages à la fois sous forme de texte court en haut des cases qui apportent des indices pour redonner le contexte politique ou via des petits commentaires simplement écrit au bout d’une flèche griffonée et qui nous rappellent par exemple que le chantier dessiné là bas au fond de la case, est abandonné depuis des années.
“L’arabe du futur” est un récit efficace en noir et blanc, qui nous balade entre l’innocence attendrissante de Riad et la société virile et totalitaire qui lui fait face … et cette lutte permanente de son père, Hafez, coincé entre les coutumes de son pays natal et son envie d’émancipation. L’Arabe du Futur
Ce 42e Festival international de la bande dessinée d’Angoulême a mis l’Asie à l’honneur.
L’un des pères du mangaBD japonaises en noir et blanc qui se lisent de droite à gauche et qui se présentent souvent en petit format, à peine plus grand qu'un livre de poche. sacré par le Grand Prix, une belle expo rétrospective sur l’œuvre du mangaka préféré des Français Taniguchi, la présentation de l’adaptation d’un best-steller chinois Au pays du cerf blanc en lianuanhua, une exposition de BD traditionnelles chinoises à l’hôtel de ville, le Prix du Patrimoine attribué à San Mao, le petit vagabond du Chinois Zhan Leping restauré avec soin par les éditions franco chinoises Fei…
On a envie de dire… ENFIN !
Dès jeudi, le FIBD s’était ouvert par une double première : d’abord un Grand Prix spécial décerné à Charlie Hebdo et pour la première fois le Grand Prix du prestigieux festival a été attribué à un auteur de mangas, le Japonais Katsuhiro Ōtomo.
Le festival avait déjà manqué de sacrer, de son vivant, celui que les Japonais considèrent comme le père du mangaBD japonaises en noir et blanc qui se lisent de droite à gauche et qui se présentent souvent en petit format, à peine plus grand qu'un livre de poche., Osamu Tezuka. Mais si ! Vous savez, celui qui a bercé des générations de jeunes avec Astro, le petit robot. La version animée passait même à la télé en France à partir de 1984.
Contrairement à son idole de jeunesse, qui n’aura pas reçu la reconnaissance qu’il méritait, Katsuhiro Ōtomo n’a pas été oublié.
On le connaît pour sa série Akira. Une histoire futuriste qui met en scène une bande de jeunes motards désœuvrés et drogués dans un néo-Tokyo corrompu. Quelques années plus tôt, en 1982, Tokyo a été détruite par une mystérieuse explosion, déclenchant la Troisième Guerre mondiale, et des destructions successives de métropoles, par des armes nucléaires.
Le récit se passe 47 ans plus tard, en 2019. Une nuit, le personnage principal, Tetsuo, a un accident de moto en essayant d’éviter un jeune homme qui se trouve sur son chemin. Blessé, il est capturé par l’armée japonaise et fait l’objet d’expériences scientifiques dans le cadre d’un projet ultrasecret visant à repérer des êtres possédant des prédispositions et à développer leurs pouvoirs psychiques (télépathie, téléportation, télékinésie, etc.).
Quand il s’évade et se retrouve en liberté, Tetsuo n’est plus le même et profite de ses nouveaux pouvoirs pour chercher à s’imposer comme un leader parmi les junkies.
En parallèle, se nouent et se dénouent des intrigues politiques… chacun voulant percer le secret d’Akira, le mutant découvert par les militaires, le plus puissant.
Et oui, Akira a été adapté en film d’animation et c’est Katsuhiro Ōtomo lui-même qui s’en est chargé en 1988, et ce avant même la fin de l’écriture de la bande dessinée, puisqu’il a mis dix ans a écrire cette saga.
Akira, c’est un peu l’œuvre de sa vie. Mais Katsuhiro Ōtomo n’a pas fait que ça. En 1983, un an avant Akira, cette bombe qui lui vaudra une renommée internationale, il publie Dômu, qui se traduit par Rêves d’enfants.
Un huis-clos oppressant, une histoire paranormale dans une cité d’apparence normale où la police cherche à comprendre pourquoi un quartier de tours bétonnées compte autant de suicides et d’accidents inexpliqués. Ōtomo nous ouvre les portes de cette ville inquiétante en brisant les codes de la BD classique, en nous secouant par des rythmes de narration mouvants et une ligne graphique qui nous perd entre réalisme et imaginaire.
Ōtomo a aussi participé à deux films d’animation comme Metropolis en 2002, qu’il a scénarisé, en s’inspirant du mangaBD japonaises en noir et blanc qui se lisent de droite à gauche et qui se présentent souvent en petit format, à peine plus grand qu'un livre de poche. éponyme d’Osamu Tezuka. Il s’agit, là encore d’une histoire urbaine, mais cette fois d’une cité futuriste, où humains et robots cohabitent.
Dernière réalisation connue, l’adaptation d’un de ses mangas Steamboy, en 2004. Une bande dessinée qui fait partie du genre steampunk, une uchronie sur un monde où la machine à vapeur aurait été l’élément essentiel du développement technologique, un passé alternatif imaginé par Ōtomo , avec encore un goût assumé pour l’immodération et l’abîme.
En recevant son prix jeudi soir, l’auteur s’est dit très honoré mais surpris d’être lauréat, lui qui ne dessine plus beaucoup en ce moment a-t-il avoué. “Ce prix sera un encouragement et j’ai l’intention de me mettre au travail”. Chic alors, on a hâte.
Point de vue – On l’attendait depuis plusieurs semaines cet événement. Pensez donc, « La Revue Dessinée », qui a su se creuser une niche au milieu de la jungle des kiosques à journaux en proposant un défi éditorial audacieux dans un format soigné, et qui se lance à la télé ! Ça promettait !
Me voilà donc à l’heure au rendez-vous. Et avec un lancement pareil, le présentateur Ziad Maalouf semblait avoir donné le la d’une sacrée émission. (voir en intégralité)
L’Émission Dessinée c’est une production indépendante et libre, c’est une œuvre sonore, graphique, visuelle, toutes les séquences seront dessinées et mises en musique.
Inutile de s’attarder sur les flops, gros et petits, qui ont parsemé cette première émission, même s’ils ont commencé tôt : aucun applaudissement à la fin du chouette « générique » siffloté par Bernardo Cinquetti, pour accompagner à la guitare les traits de crayon de Thibaut Soulcié qui proposait une introduction dessinée de cette soirée.
Premier flop à deux minutes du lancement donc, auquel s’enchaîneront les mauvais réglages sons des invités, dont chaque début d’intervention s’est quasi systématiquement retrouvé étouffé.
Face à ces embûches, le choix du direct n’était peut-être pas le plus judicieux (d’autant que la pause de 40 minutes nous a laissé pauvres ères, désœuvrés derrière notre écran alors la prochaine fois que vous voulez boire une tisane ou faire pipi ça peut être sympa de penser à un vide un peu plus récréatif pour nous aussi).
Dommage enfin que l’affichage des noms ait été plusieurs fois erronés face aux visages correspondants. Tout ça ça peut arriver, et ça donnait même un petit air « les copains parlent aux copains ».
Mais voilà, justement, les auteurs présents sur le plateau de L’Émission Dessinée, (alias les locaux de la rédaction de la revue éponyme), semblaient endormis. Peu enthousiastes ou stressés. Bref, la fan de la première heure que je suis attendais un peu plus d’enthousiasme de certains de ses auteurs préférés.
Le grand entretien avec René Pétillon, pas très anglé, a suffi pour plomber définitivement l’ambiance. Il y pouvait rien René, mais 48 minutes a papoter, sans même un verre de bière pour dérider l’assemblée, ça fait long la parlote.
On aurait préféré que ce grand entretien le soit un peu moins (grand) ou qu’il soit découpé et proposé en guise de fil rouge de l’émission. Idem pour les différentes rubriques. Agencées autrement, elles auraient pu donner plus de rythme.
Les bons points reviennent au Tac au tac, proposé en hommage à Jean Frapat, son légendaire producteur décédé le 8 octobre. En croisant les doigts pour que, hommage ou pas, cette capsule continue et se développe dans les prochaines émissions dessinées !
Un tonnerre d’applaudissements aussi à la Tête à tuto, des leçons rigolotes où Loïc Sécheresse et Thibault Soulcié expliquent chacun LEUR façon de dessiner Jean-François Copé… « Mal dessiné, on dirait Gargamel », et celle de Manuel Valls « quid de son oreille gauche ou droite penche le plus ?! »…
Bonne surprise également avec les Plans larges : trois débats pour présenter trois grands reportages parus dans le dernier et l’avant-dernier numéro de la Revue.
Le premier concernait l’enquête de Catherine Le Gall et Benjamin Adam sur les fameux emprunts toxiques qui font des ravages parmi les collectivités locales. Au cours du visionnage en direct, sur Youtube, un spectateur a exprimé dans le forum en ligne, son regret que la journaliste menant le débat n’ait pas demandé au duo comment ils avaient travaillé à la vulgarisation des termes techniques.
La Revue Dessinée est suffisamment innovante avec son parti pris « d’informer autrement » qu’il est dommage d’utiliser le sujet de l’enquête comme prétexte à l’organisation d’un débat qui creuse finalement peu le travail de narration.
« Un lien doit s’établir, avec la volonté d’associer le meilleur des deux rives où chacun joue sa partition : le journaliste, avec sa rigueur de l’info, la qualité de ses sources ; le dessinateur avec la puissance de son imaginaire, sa poésie, ses ficelles narratives », précise l’éditorial du numéro 5 de La Revue Dessinée. C’est cette danse à deux qu’a bien réussi à présenter le deuxième Plan large de la soirée, concernant le long travail d’enquête de Benoît Collombat et Étienne Davodeau sur l’assassinat du Juge Renaud (abonnés Le Monde).
C’est pas le tout de vous voir parler et dessiner, chers auteurs adorés, on veut que vous nous ouvriez la porte de ce laboratoire enthousiasmant qu’est La Revue Dessinée !
Et toi ? T’en as pensé quoi ?
Interview – La fantasy ? C’est un peu comme le chouchen ou le grand huit de la fête foraine : c’est souvent catégorique : on aime ou on déteste. Mais comme on dit toujours, il faut au moins essayer… et la série-concept « Elfes » de Soleil offre l’occasion de se plonger dans un univers graphique et littéraire enveloppant, qui fait flancher même les plus obstinés.
Promis, ici pas de prosélytisme. Les éditions Soleil fêtent leur 25 ans cette année et pour l’occasion on a rencontré Nicolas Jarry, l’un des piliers de cette maison d’édition, à l’origine de cette série-concept. Voilà simplement l’occasion de vous parlez d’un genre auquel on n’accorde pas toujours notre attention le restant de l’année sur « La Déviation ».
Discret, souriant, Nicolas Jarry avait l’air un peu perdu parmi les rayonnages du grand magasin où il était convié le temps d’un après-midi, pour une séance de dédicaces. Pourtant, il aurait pu se permettre une entrée pétaradante : une heure avant, les fans rodaient déjà autour de la table, leurs albums à la main, pour y recueillir le précieux paraphe.
Je n’ai jamais pensé pouvoir scénariser de la bd, c’était un univers qui m’était complètement inconnu
De la fantasy traditionnelle, une narration talentueuse, un peu d’humour, des héros consistants… Voilà à quoi tient le succès des récits de Nicolas Jarry.
Ce n’était pourtant pas prévu. « J’écrivais des romans à la base, je n’ai jamais pensé pouvoir scénariser de la BD, c’était un univers qui m’était complètement inconnu », explique-t-il. Jusqu’à une rencontre fortuite : celle de Jean-Luc Istin, au festival du Film fantastique de Bruxelles. L’un venait pour “Merlin, la quête de l’épée“, l’autre pour les “Chroniques d’un guerrier Sînamm“, un cycle de fantasy paru chez Mnémos.
De cette union va naître une BD, qui fait aujourd’hui référence : “Les Brumes d’Asceltis“. Plus tard, C’est lui qui a signé “Le Trône d’argile” avec Théo Caneshi ou encore “Le Crépuscule des dieux” avec Dief aux dessins.
La suite de l’histoire se passe ici, tendez l’oreille. Nicolas Jarry évoque son œuvre, ses influences… entre histoire et aventure, ses diverses collaborations avec une vingtaine de dessinateurs différents et bien sûr, sa série-concept « Elfes », conçue avec son compère Jean-Luc Istin.
(cliquez sur les planches pour zoomer)
Elfes, tome 7, Le Crystal des Efles sylvains, Jarry, Maconi, Eban, éditions Soleil, 2014, 14,50 €.
Critique – Il a illustré la Bible, la divine comédie de Dante, les contes de Charles Perrault, il a donné l’ultime coup de pouce à Rabelais, Cervantès ou Shakespeare pour achever leur gloire posthume.
Il a inspiré le cinéaste Cecil B. DeMille pour sa version titanesque des Dix Commandements, mais aussi les scènes surnaturelles de La Belle et la Bête réalisé par Jean Cocteau (1946) et aurait même insufflé à Tim Burton le goût d’une nature anthropomorphe peuplée de fantômes et de visions merveilleuses ou cauchemardesques.
Gustave Doré est une légende, et l’éloge itératif de l’exposition qui lui était consacré au Musée d’Orsay a célébré, une nouvelle fois, cet artiste atypique.
En sortant de l’expo ou après avoir surfé sur Google Images vous vous êtes peut-être demandé ce que Gustave Doré aurait bien pu présenter comme histoire s’il était l’un de nos contemporains. Est-ce qu’il délaisserait la gravure pour le cinéma, conversion qu’avait choisi son ami Nadar en abandonnant ses pinceaux ?
Pas besoin de machine à remonter le temps pour le savoir. La réponse est là, sous vos yeux. Il existe un jeune artiste talentueux dont le graphisme et l’univers fantastique donnent à croire que Gustave Doré est encore de ce monde.
À l’image de son âme sœur artistique découverte comme coup de foudre, un jour, dans une boutique (écoutez l’interview !), Jeremy Bastian aurait pu signer la même phrase, désormais célèbre : « J’illustrerai tout ».
Avec un univers graphique, littéraire, et parfois acoustique, totalement immersif, l’artiste américain repousse les limites de la raison pour plonger tous nos sens au fond des océans, dans une quête qui n’a rien à envier à Alice aux pays des merveilles, Peter pan et autres récits de flibustiers.
Ouvrir La Fille maudite du capitaine pirate c’est savourer une excentricité assumée, dans la mise en page (des phylactères enluminurés, au format des cases) comme dans le propos. Cet artiste du Michigan, qui partage ses journées entre ses élevages de poules, canards et moutons, ses explorations des boutiques d’antiquaires et sa table à dessin, a curieusement préféré l’univers aquatique, à celui des grands paysages, la liberté de peupler les profondeurs des grands lacs plutôt que la surface des océans.
La délicatesse, la minutie des travaux d’Arthur Rackham, la rigueur du graveur énigmatique Albrecht Dürer inspirent Jeremy Bastian, qui préfère aux dessins des comics, croqués mécaniquement pour répondre à la demande, les graphismes des vieux livres d’histoire.
« Au départ, comme tout môme, je voulais être dessinateur pour Marvel ou DC, mais au fur et à mesure que je me suis imprégné des influences d’autres dessinateurs, j’ai réalisé que je ne pourrais jamais accepter de travailler pour les grosses compagnies, à cause du temps imparti pour dessiner », ajoute-t-il.
De la patience, il en a fallu à l’artiste pour accoucher de son premier ouvrage, d’abord proposé en one shot, dans une maison d’édition américaine, qui a finalement coulé, puis pour reprendre le récit et lui offrir la profondeur qui manquait. Jeremy Bastian travaille actuellement sur le tome 2, à Château Brignon. Passionné par nos arbres français (qui composent la majeure partie de ses photos souvenirs apparemment), ses prochaines pages garderont sans doute quelques effluves de Gironde, de son architecture ou au moins de son patrimoine végétal.
L’ouvrage a été choisi par les libraires Canal BD et Album pour la période du 1er mars au 30 avril 2014. Sélectionné au Prix des Libraires de bande dessinée cette année, La Fille maudite du capitaine pirate n’a pas été lauréate… mais il est à parier que le travail prometteur de Jeremy Bastian pourrait bien obtenir d’autres reconnaissances dans le milieu de la bande dessinée.
Et avant de vous lancer dans la lecture, profitez du doux accent du Michigan de Jeremy Bastian avec cette interview réalisée lors de l’Escale du livre de Bordeaux. Un grand merci à Patrick Marcel, le traducteur de « The Cursed Pirate Girl » qui a accepté de traduire également, les paroles de l’artiste.
Interview audio – Rencontre avec Nicolas Pitz, un auteur bruxellois fort prometteur qui signe avec Les Jardins du Congo son premier one shot.
Dans son livre coloré et subtil il a osé évoquer, dans le même ouvrage, la souffrance des maquisards et la colonisation belge du Congo dans les années 1950, à l’heure où le pays est irrémédiablement en route vers l’indépendance.
Dans les Jardins du Congo, la colonisation est vue aux travers des yeux du colon, Yvon, le grand-père de l’auteur.
Après quatre années interminables passées dans le maquis des Ardennes, Yvon n’a aucune envie de retourner vivre auprès de son père, un homme rude qui l’a mis au travail alors qu’il n’était qu’un enfant. Pour rattraper ses années de jeunesse, perdues au fond d’un bois froid et humide à lutter contre la faim, la folie et la peur, il décide de changer d’horizon et s’embarque pour le Congo belgeDe 1885 à 1908, l’état indépendant du Congo était une possession personnelle du roi Léopold II de Belgique, un territoire sur lequel il avait imposé un régime de travail forcé qui, après une vague de protestation (venant notamment des Etats-Unis et de l'Angleterre) a été annexé par la Belgique en tant que colonie..
Au nom de la lutte philanthropique contre le trafic d’esclaves, l’État belge a confié le territoire à de gros propriétaires qui, tout en y maintenant enfoncé le drapeau noir rouge jaune, exploitaient les ressources du pays. Le Congo a toujours regorgé des besoins de l’économie mondiale du moment : ivoire, caoutchouc, cuivre…
Tout comme Tintin, Yvon n’aurait pas pu parler flamand au Congo.
Seuls regrets ? Que la BD n’ait pas eu une dizaine de pages supplémentaires pour mieux approfondir le lourd passif entre le père et le fils.
Si l’ambiance sensorielle est bien retranscrite par les couleurs, le graphisme, il lui manque un peu l’aspect sonore… en effet, nous, lecteurs, lisons la BD en français… mais tout comme Tintin, Yvon n’aurait pas pu parler flamand au Congo, car il ne s’est jamais agi, dans les faits, d’une colonie bilingue.
À l’image des rapports de force existant alors en Belgique, seul le français était utilisé par l’élite, dans l’administration et pour l’enseignement. Les décrets pour appliquer le bilinguisme n’ont été pris qu’en 1957… et ne sont jamais entrés en vigueur.
Le français était LA clé pour partir dans les colonies. Yvon n’aurait sans doute pas profité de la prospérité du Congo s’il était né de l’autre côté de la frontière linguistique.
Les Jardins du Congo, Nicolas Pitz, éditions La Boîte à Bulles, 2013, 21 €.
Pendant tout un week-end, avec Klervi Le Cozic, nous avons parcouru Angoulême afin de couvrir le Festival international de la bande dessinée. Au détour d’une rue (pentue), d’un stand (séduisant) ou d’une expo (intéressante), voici quelques morceaux choisis de cette fin de semaine riche en rencontres.
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Souvenirs, sourires et rires sont des émotions que nous avons ressenties au moment de prendre ces clichés. Voici quinze petits détails qui font que cette 41e édition était un très bon cru, au-delà des nombreuses polémiques qui sont apparues.
